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lunes, 30 de mayo de 2011

No. 58. Muchacha Desnuda, de Trutat. Un genio de 20 años.

Título: Muchacha Desnuda Sobre Piel de Pantera.
Autor: Félix Trutat (francés. 1824-1848)
Fecha de composición: 1844.
Dimensiones: 110 x 178 cm.
Técnica: Óleo sobre lienzo.
Residencia: Museo de Louvre, París.



Queridos amigos:

La Muchacha desnuda sobre piel de pantera es la creación de un joven francés de veinte años llamado Félix Trutat. ¡Un joven que murió a los veinticuatro años! Y qué pena, pues el cuadro nos revela que este joven con el tiempo hubiera sido uno de los grandes maestros franceses. Pero así es la vida, como como se dice por ahí, “de caprichosa”.

En fin, este cuadro llama mucho la atención porque nos ofrece un ejemplo de ese cambio de enfoque del desnudo del que ya he hablado. A pesar de los elementos mitológicos (la piel de leopardo nos remite a Dionisio), la muchacha no es la “abstracción de la belleza”, sino una chica de carne y hueso que nos descubre su cuerpo a través de los hermosos y sutiles trazos del pintor: una ventana a la intimidad. Quizá la novia del joven Trutat... No sé. Lo cierto es que este cuadro nos transmite algo muy íntimo. Y no me refiero a lo más obvio, es decir, al cuerpo desnudo, sino a un mood de melancolía y reflexión: además del cuerpo, el pintor nos ofrece el alma de la chica.



Este cuadro es un buen ejemplo de lo que un joven talentoso puede hacer; un ejemplo del poder artístico de un joven que apenas ha dejado de ser niño. Y lo digo porque uno a los veinte años -empezando por mí cuando tenía tal edad- está más preocupado por determinar a qué antro acudir la noche del viernes o qué ropa usar. Ejemplos como Trutat nos revelan el inmenso poder del arte; nos demuestran que el arte no es cosa de adultos aburridos, eruditos pedantes o ratones de biblioteca, sino de personas de cualquier edad, abiertas a toda la riqueza de la experiencia estética.

La obra es espléndida, tan real e íntima que uno quisiera acariciar con los dedos la frente de esta bella muchacha, aunque la mirada del observador fantasma (parte superior derecha) nos contenga.

Reciban todos un abrazo.
VENUS

lunes, 23 de mayo de 2011

No. 57 Italia y Germania, de Overbeck. Un cuadro lleno de símbolos.


Título: Italia y Germania.
Autor: Friedrich Overbeck (alemán. 1789-1869)
Fecha de composición: 1828.
Dimensiones: 94 x 104 cm.
Técnica: Óleo sobre lienzo.
Residencia: Neue Pinakothek, Munich.


Estimados amigos:

Ahora les presento una pieza del romanticismo alemán. Se trata de una alegoría en donde dos mujeres, una castaña, la otra rubia, representan a Italia y a Germania. Es conocida la pasión que muchos grandes germanos han sentido por Italia; he ahí Handel, Mozart, Goethe, Mendelssohn, el mismo Overbeck, Mann, Mömmsen, y tantos más. El gran Goethe llegó a decir que era el país más hermoso del mundo. Yo creo que muchos compartirían esta opinión. Pues bien, Italia y Germania es la alegoría perfecta para ilustrar esta pasión.



En el cuadro vemos a dos muchachas, bellas y jóvenes, que unen sus manos fraternalmente. No sé si el Duce o el Führer explotaron esta imagen en su perversa alianza (lo cual hubiese constituido una profanación), pero lo cierto es que no hay ningún contenido de carácter político. El mismo Overbeck explica:

“es la nostalgia que atrae constantemente al norte hacia el sur, hacia su arte, hacia su naturaleza, hacia su poesía.”

La mujer rubia (por obvias razones Germania) toma de la mano a una dócil y dulce Italia, que se deja llevar por la ensoñación (a decir verdad, parecen más que amigas...). Germania lleva un vestido verde, color nacional (Alemania jugó con camiseta verde la final del Mundial México 86); Italia viste de rojo y blanco, pero entre las dos completan los colores italianos [aunque en 1828 aún no se había gestado la unificación alemana ni la italiana, el cuadro de Overbeck nos revela que en cada una de estas dos regiones ya existía una identidad nacional y una unidad cultural]. Los paisajes atrás de las mujeres también señalan características de los dos países.

Siendo muy joven, Overbeck tuvo la oportunidad de visitar Italia. Se enamoró desde el primer instante; tanto que decidió quedarse a vivir ahí para siempre. El chico tenía apenas diecinueve años. Poco más tarde, y gracias a su entusiasmo por las obras de los maestros italianos, decidió abandonar su credo protestante y se convirtió al catolicismo. Debió pensar que un verdadero italiano no podía dejar de ser católico (lo cual es cierto, por lo menos en teoría), y él estaba convirtiéndose en italiano. Fue líder del grupo de los Nazarenos; de ahí su posterior influencia en los Pre-Rafaelistas. También fue admirado ni más ni menos que por Ingres. En fin, todo un personaje. Qué pena que hoy en día no sea tan conocido fuera del mundo cultural germano.

Ojalá disfruten este hermoso cuadro. Aún si dejáramos al margen lo que representa, no dejaría de ser conmovedor y maravilloso.
Reciban un abrazo.

VENUS Rex

lunes, 16 de mayo de 2011

No. 56 Café Nocturno. La Pintura de Van Gogh es Poesía.


Título: Frente al Café Nocturno.
Autor: Vincent Van Gogh (holandés. n. Groot-Zundert, 1853; m. Auvers-sur-Oise, 1890)
Fecha de composición: 1888.
Dimensiones: 81 x 65,5 cm.
Técnica: Óleo sobre lienzo.
Residencia: Rijksmuseum Kröller-Müller, Holanda.


Queridos amigos:


A propósito de este cuadro, creado en Arles en 1888, Van Gogh dijo:

“Un café por la noche visto desde fuera. En la terraza están sentadas pequeñas figuras bebiendo. Un enorme farol amarillo ilumina la terraza, la fachada de la casa, la acera, e incluso extiende su resplandor hasta la calle adoquinada que adquiere una tonalidad rosa-violeta. Las fachadas de las otras casas de la calle, que se alarga bajo el cielo estrellado, son azul oscuras o violetas; ante ellas se encuentra un árbol verde. Aquí tienes un cuadro nocturno sin negro, sólo con un bello azul, con violeta y verde; y en este ambiente la plaza iluminada se tiñe de un pálido amarillo azufre y un verde limón.”


La descripción de Van Gogh hace justicia al cuadro. Esta obra no sólo es pintura; es poesía. El artista no nos presenta la realidad, sino las emociones que despiertan en él la realidad (y no tanto en el estilo impresionista, que a muchos podría parecer frívolo, sino con una gran profundidad, a través de trazos que se anticipan al expresionismo). Esta imagen es una invitación a la fantasía y a la ensoñación: nos descubre la magia de las estrellas [parecen flores] y de la noche; magia que en una época como la nuestra parece no existir. A fin de cuentas, dice el propio Van Gogh, “la noche es más activa y rica en colores que el día”.

Por lo demás, este cuadro podríamos considerarlo como el “hermano menor” de la fantástica y sublime “Noche Estrellada” que ustedes ya conocen.


Un abrazo a todos.
VenuS ReX

miércoles, 4 de mayo de 2011

No. 55 Picasso en Azul. El guitarrista viejo.


Título: El Guitarrista Viejo.
Autor: Pablo Ruiz Picasso (español. n. Málaga, 1881; m. Mougins, 1973)
Fecha de composición: 1903.
Dimensiones: 122 x 82 cm.
Técnica: Óleo sobre tabla.
Residencia: Art Institute, Chicago.


Estimados amigos:


Alguien me preguntó si entre mis primeros envíos había un Picasso. Pues no. Y qué pena, porque Picasso es uno de los pintores más representativos del siglo XX (el Concise Oxford Dictionary of Art & Artists –fuente fundamental para los amantes del arte– lo califica como “the most famous, versatile, prolific and influential artist of the 20th century”). Pero nunca es tarde y he aquí el primero.

Se trata del Guitarrista Viejo, fechada en 1903, una de las obras del período azul. En ella vemos a un Picasso que se aproxima a la poesía y nos ofrece una visión melancólica de la realidad. Muy distinto del enfoque intelectual y conceptual que el maestro desarrollaría con el cubismo, y por el cual es mundialmente conocido.



Este cuadro representa a un anciano ciego y marginado cuyo único patrimonio es su música. Más que sostener la guitarra, nos da la impresión que se aferra a ella, que su vida pende del instrumento. Los tonos azules añaden una atmósfera de tristeza, desolación y profunda soledad. Las líneas que constituyen al personaje recuerdan –según las opiniones de los expertos– los trazos de El Greco.

Póster del film
En el período azul (no confundir con la “Habitación Azul”, memorable film protagonizado por la hermosa Patricia Llaca), que comprende los cinco o seis primeros años del siglo, Picasso tomó por tema la pobreza y la marginación social, desde un enfoque sentimental, más acorde al siglo XIX, y mediante el uso predominante de tonos azules que dotan a estas obras de un encanto tan fantasmal como sublime. En mi opinión, este período poético y lírico del artista es mucho más penetrante y conmovedor que los otros (sin desmeritar, por supuesto, la fase cubista), aunque sé que muchos no coincidirán conmigo. Tal vez mi entusiasmo se debe a que este guitarrista tiene un especial significado para quienes nos dedicamos a la música. De cualquier manera, yo creo que el gran Pablo acordaría que en esta obra predomina el sentimiento, a diferencia de lo que sucede con los cuadros cubistas, donde el concepto y la racionalidad son lo principal. Y, como ustedes saben, en el arte –a diferencia de la ciencia y la filosofía–, no sólo se pone en juego la racionalidad, sino el alma entera, incluida la parte afectiva y emocional.

En fin, estoy seguro que todos ustedes disfrutarán esta maravillosa pieza.

Reciban un fuerte abrazo.

VENUS